A obra revisita capítulos ocultados da história mundial ao investigar a presença negra no Renascimento europeu, destacando personagens como Ne Vunda, embaixador do Reino do Kongo no Vaticano, e São Benedito, figura profundamente reverenciada no Brasil e símbolo de fé e resistência na diáspora africana.

Filmado na Itália, Espanha, Portugal, França, Países Baixos, Reino Unido e Brasil, o documentário traça um percurso visual que revela como pessoas negras circularam por cortes reais, ordens religiosas, ateliês artísticos e espaços intelectuais entre os séculos XV e XVII. A pesquisa evidencia que a presença africana ajudou a moldar aspectos culturais, políticos e artísticos da Europa renascentista — um capítulo frequentemente excluído dos registros tradicionais.

Durante sua passagem pelo Brasil, Kuwornu também realiza visitas de pesquisa para seu próximo filme, que será dedicado à história e à devoção a São Benedito, fortalecendo ainda mais as conexões entre África, Brasil e Europa.

Apresentado no Pavilhão Central da 60ª Bienal de Veneza, sob curadoria de Adriano Pedrosa, ‘Nós Estávamos Lá’ combina investigação histórica com linguagem cinematográfica envolvente, recolocando a África no centro das discussões globais sobre memória, arte e identidade.

Agenda de apresentações gratuitas no Rio de Janeiro:

18 de novembro de 2025 – 18h30
Museu Afrodigital Rio – R. São Francisco Xavier, 524 – Bloco F, térreo – Maracanã

19 de novembro de 2025 – 18h30
Teatro Itália – Av. Pres. Antônio Carlos, 40 – 4º andar – Centro
Em colaboração com o Instituto Italiano de Cultura do Rio de Janeiro

21 de novembro de 2025 – 20h00
CUFA Madureira – R. Francisco Batista, 1 – Madureira
Sessão integrada à programação da FLUP

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Assata Shakur, nascida Joanne Chesimard, foi integrante do Exército de Libertação Negra (BLA) e viveu exilada em Cuba após escapar de uma prisão nos Estados Unidos, em 1979. Ela morreu em 25 de setembro, aos 78 anos, em Havana, onde recebeu asilo político. Os novos projetos contam com autorização de sua filha, Kakuya Shakur.

Além de Angela Davis, o advogado Lennox Hinds, que defendeu Assata nos tribunais, concedeu aos cineastas acesso exclusivo a materiais inéditos. A parceria promete lançar um olhar potente e sensível sobre uma das mulheres mais perseguidas e admiradas da história da luta negra.

Em comunicado, os diretores afirmaram que “a história de Assata é importante para todos os americanos, pois revela os poderes que nos dividem e nossa capacidade de cura”.

Os irmãos Bailey, cineastas jamaicano-americanos, figuram entre os “40 Under 40” da DOC NYC e têm trabalhos reconhecidos pela HBO e Netflix. Giselle Bailey, além de diretora, foi bolsista da Firelight Media e da Concordia Fellowship, tornando-se uma das vozes mais promissoras do documentário contemporâneo.

O projeto conta com apoio de importantes instituições do cinema independente, como o Sundance, Firelight Media, Concordia Fellowship e Chicken & Egg Films, que concedeu uma bolsa financiada pelo Fundo de Equidade Criativa da Netflix.

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Há obras que não apenas registram a história, criam história. O documentário Cadernos Negros, dirigido pelo mestre Joel Zito Araújo, ilumina uma trajetória que não cabe em prateleiras, porque pulsa nas veias da literatura brasileira. Ao recuperar a gênese e a permanência de uma série que nasceu como gesto de insurgência, o filme nos lembra que a literatura sempre foi debate público, memória coletiva e projeto de país.

Inspirado nos cadernos de Carolina Maria de Jesus, o primeiro volume de Cadernos Negros surge em 1978, em São Paulo, quando escritoras e escritores negros, organizados com o fervor do período que antecede a redemocratização, afirmam um princípio simples, porém radical: não há literatura brasileira sem a voz negra. A série, publicada anualmente, alterna prosa e poesia, e desde o início encontra no coletivo Quilombhoje um abrigo e um motor, um encontro entre arte e ação cívica. O resultado é uma obra de longa duração, que alcança em 2024 o número 45, marco de persistência e de projeto estético que atravessa gerações.

O filme não se limita a narrar datas. Ele nos convida a escutar quem fez e faz essa história. Conceição Evaristo, com sua escrevivência, dobra a linguagem para abrigar memórias e experiências que a literatura oficial insistiu em negar. Cuti, um dos idealizadores dos Cadernos, sustenta o eixo político e poético do projeto, lembrando que publicar não é apenas imprimir, é disputar sentido. Daniel Ramos pontua o vigor de uma criação que se amplia sem perder foco. Oswaldo de Camargo, referência incontornável, traz a espessura histórica de quem testemunhou o antes e o depois, a sombra e o clarão. Esmeralda Ribeiro reforça a arquitetura do Quilombhoje, gesto de continuidade que assegura que novos nomes não cheguem ao acaso, mas por direito. Márcio Barbosa representa a continuidade viva dos ideais que fundaram os Cadernos, com sua escrita lúcida e comprometida com a construção de uma literatura verdadeiramente plural e negra. Cada depoimento compõe uma cartografia de afetos, escolhas e responsabilidades que chegam à tela com a dignidade de quem narra a própria história.

A direção de Joel Zito Araújo entende a câmera como dispositivo de memória e de confronto. A montagem abre espaço para a ideia essencial dos Cadernos: literatura é ferramenta de emancipação e diagnóstico do país. O enquadramento, a escuta atenta e o ritmo das vozes preservam o lugar de fala sem transformá-lo em slogan, valorizam a experiência sem diluí-la em generalidades. A cada sequência, o documentário confirma a maturidade de um cineasta cuja obra tem sido central para revelar como o racismo organiza o imaginário brasileiro e como é possível desmontá-lo com rigor e beleza.

Desde 1978, Cadernos Negros publica mais de trezentos autores negros, consolidando um patrimônio literário que afronta a lógica do apagamento. Não é uma antologia ocasional, é um corpo vivo de pensamento e invenção, uma escola rigorosa que ensina a ler o Brasil por dentro. A série afirma que a negritude não é apêndice e não é nicho. É fundamento da cultura nacional. Quando um país tenta definir quem merece ser lido e quem deve ficar na margem, os Cadernos insistem em deslocar a margem, ampliar o centro e desobedecer a geografia do privilégio. Isso é política, é ética e é também uma pedagogia da imaginação.

O documentário torna evidente que a disputa nunca foi apenas por espaço na página. A disputa é pelo modo como o Brasil se percebe. Durante décadas, nossa literatura majoritária preferiu a monocromia do cânone. Cadernos Negros trouxe multiplicidade de idiomas, de cadências, de mundos. Trouxe o cotidiano que vira épico pela sutileza da palavra, trouxe a história que não aceitava mais ser rodapé, trouxe a filosofia que aprende com a rua, com a cozinha, com o terreiro, com a sala de aula, com a fábrica. Essa ampliação de repertório não representa concessão, representa reparação e maturidade cultural.

Ao colocar em evidência Conceição Evaristo, Cuti, Daniel Ramos, Oswaldo de Camargo e Esmeralda Ribeiro, entre outras presenças que constroem o projeto, o filme devolve nomes e rostos àquilo que tantas vezes foi reduzido a estatística. A cada página publicada, a cada voz que estreia, a série disputa com serenidade e firmeza a narrativa de um país que ainda convive com as amarras do racismo, herança que insiste em contaminar o mercado editorial, a crítica e o currículo escolar. A obra de Joel Zito não aponta dedos ao acaso, ela organiza evidências e convoca consciência, oferece ao público um mapa para atravessar o ruído e reconhecer o que sempre esteve aqui, pulsando.

É por isso que a relevância de Cadernos Negros ultrapassa o círculo de leitoras e leitores habituais. Trata-se de um acervo indispensável para qualquer biblioteca pública, escolar ou universitária, para qualquer mediadora ou mediador de leitura, para qualquer pessoa que deseja compreender o Brasil com honestidade. A série prova que a literatura não serve apenas para consolar nem para ornamentar. Serve para transformar a imaginação nacional e, com isso, reordenar o possível.

Todos deveriam ter ciência da existência de Cadernos Negros. Não por obrigação, mas por desejo de realidade. Conhecer a série é encontrar a dignidade de uma tradição que venceu o silêncio com trabalho coletivo, teimosia e excelência estética. É aprender que o talento floresce quando encontra condições de circulação e reconhecimento. É admitir que o futuro da literatura brasileira depende de continuarmos abrindo portas, multiplicando editoras, fortalecendo políticas públicas e defendendo iniciativas que não se curvam à lógica do esquecimento.

O filme de Joel Zito Araújo não encerra uma narrativa, inaugura nova etapa. Ao documentar esse percurso, ele convoca o público a agir. Que bibliotecas comprem os volumes. Que escolas trabalhem os textos. Que universidades revisem seus programas. Que as editoras olhem com seriedade para quem nunca foi convidado a sentar à mesa. Que leitoras e leitores, ao terminar a sessão, busquem os livros, compartilhem os nomes, ampliem o repertório da conversa nacional.

Os Cadernos foram, são e continuarão sendo uma casa de muitas chaves. A cada volume, uma fresta a mais se abre na parede da desigualdade simbólica. A cada autora e a cada autor, um país mais legível se desenha. O documentário compreende e celebra essa obra. E nos oferece a chance de romper, com coragem e lucidez, as amarras que ainda insistem em decidir quem pode ser publicado e lido.

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A première acontece no dia 5 de outubro, em sessão para convidados. O público poderá assistir ao filme no dia 6, às 16h15, no Estação Rio 5, com debate após a sessão, e no dia 7, às 18h, no CineCarioca José Wilker 1. Os ingressos estarão disponíveis no site ingresso.com a partir do dia 30 de setembro.

“Todo poeta está escrevendo uma carta, um bilhete. Mesmo que seja para si mesmo. Mesmo que seja para o imaginário. Nunca é sem remetente”, afirmou a poetisa e atriz Elisa Lucinda, no filme.

“O poder de uma voz não conhece fronteiras e atravessa espaços e tempos. (…) Para ter voz, é preciso lutar por ela e conquistá-la”, escreveu Paulina Chiziane, a primeira mulher negra a publicar um romance em Moçambique e a primeira africana a receber o Prêmio Camões (2021), em carta para poetisa e ativista portuguesa Raquel Lima, revelada no filme.

Para Vânia Lima, a experiência foi transformadora: “Acho que contamos uma história juntas, um filme com elas e não sobre elas. Foi uma experiência que mudou a minha forma de dirigir e de pensar documentário. O filme me ensinou a aceitar a força das histórias que ganharam vida própria durante a sua realização. O Festival do Rio será um primeiro encontro com o público, estou ansiosa e grata pela seleção em um dos maiores e mais tradicionais festivais do Brasil.”

Com mais de 30 projetos no currículo e 25 anos de atuação com o Grupo Têm Dendê, a diretora é uma das vozes mais ativas do audiovisual brasileiro. O filme conta ainda com Keyti Souza e Taguay Tayussy na produção executiva, Bruno Ramos na direção de produção e Cláudio Antônio na direção de fotografia, reunindo equipes do Brasil, Moçambique e Portugal para celebrar narrativas negras e descentralizadas.

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A Capoeira Para Todes tem sido um movimento essencial para a comunidade LGBTQIAPN+, que se tornou referência mundial ao inovar com a tecnologia ancestral da capoeira com o estilo de dança voguing, acolhendo grandes talentos que não conseguiam se encaixar em movimentos heteronormativos. Segundo Puma, a homofobia é um traço forte dentro das rodas tradicionais de capoeira, mas quando um corpo passa por uma transição de gênero, isso se torna ainda mais inaceitável. 

Apesar dos desafios que cada pessoa do Capoeira Para Todes pode vivenciar, o público pôde apreciar um documentário que mostra a esperança de ressignificar a sua jornada. Um grupo diverso que celebra o amor e a vida.

“A gente percebeu que a história de pessoas LGBTQIAPN+, trans, sobretudo, na capoeira, não foi documentada, não tem esse registro. O registro da pessoa trans sentada na mesa com uma pessoa de maior idade, trocando, comendo, sambando, são imagens que a gente não vê no filme, que a gente não vê em casa”, disse a Puma durante o evento. 

“A gente percebeu com a nossa existência, que cada movimento, por mais que muito simples que a gente faz, é um movimento revolucionário. Toda vez que a gente sentar na mesa, comer, sambar, sorrir e tá em volta de criança, de pessoas de mais idade, capoeira faz isso por si só. Quando isso é registrado, isso vira um grande marco pela tentativa de realmente silenciar a gente”, destacou. 

Confirmada de ir ao evento presencialmente, essa tentativa de silenciamento foi mais uma vez evidente no dia do evento, que fez com quê Puma desistisse de ir à Mostra, após receber ameaças quando anunciado a sua presença. Para zelar pela segurança da multiartista, foi decidido a realização de uma chamada de vídeo com o público, após a exibição do filme. 

A Mostra de Cinema Negro de Cotia continuará até setembro com a exibição dos documentários ‘Ijó Dudu, Memória da Dança Negra na Bahia’, dirigido pelo Zebrinha (José Carlos Arandiba), e ‘Terreiros do Brincar’, dirigido por Renata Meirelles. Para saber mais, acompanhe no Instagram: @cinemanegrodecotia.

O projeto foi contemplado pelo edital de cultura da PNAB Cotia e é realizado pelo Instituto Gira-Sol, Congada de Cotia e Ayê Produção Cultural, com apoio da Secretaria de Cultura e Lazer do município.

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Com depoimentos e apresentações de nomes como Malcolm X, Louis Armstrong, Nina Simone, John Coltrane, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Abbey Lincoln e Max Roach, o filme revela a violência do processo de colonização do Congo Belga e acompanha a luta do país por independência. Após a sessão, haverá debate com a professora de Relações Internacionais Natalia Noschese Fingermann.

Dirigido por Johan Grimonprez, o documentário reconstitui os últimos meses antes do assassinato de Patrice Lumumba, primeiro presidente democraticamente eleito do Congo, em 1961. Entre os eventos retratados, está a invasão do Conselho de Segurança da ONU pelos músicos Abbey Lincoln e Max Roach, em protesto, enquanto Louis Armstrong é enviado para o país como uma cortina de fumaça dos planos norte-americanos de depor Patrice. A partir desse episódio, Grimonprez expõe as conexões entre imperialismo, capitalismo e jazz, contextualizando as tensões políticas internacionais da época.

Marcado pela Guerra Fria, pelos movimentos pan-africanistas, pelas mudanças na ONU e pelas lutas por direitos civis nos EUA, o século 20 é apresentado como cenário de revoluções e disputas de poder que moldaram o mundo moderno.

Além da indicação ao Oscar, o aclamado documentário acumula 35 indicações em festivais e premiações, incluindo o European Film Awards e o Sundance Film Festival. No Rotten Tomatoes, o filme mantém 97% de aprovação da crítica e do público.

Serviço | Doc.MIS – “Trilha sonora para um golpe de Estado”

Data: 21/08, às 19h

Local: Auditório LABMIS – Avenida Europa, 158, Jd. Europa, São Paulo

Ingresso: gratuito (retirada com uma hora de antecedência na bilheteria do MIS)

Classificação: 14 anos 

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A trajetória de Glória é relembrada por colegas que tiveram suas carreiras inspiradas por ela. Dulcineia Novaes, repórter da RPC (afiliada da Globo em Curitiba), conta como a imagem da jornalista foi fundamental em sua formação. “Eu lembro que ainda estava no curso de Jornalismo e já ficava admirada de ter uma repórter de cabelo curtinho, negra, e pensava como ela chegou até ali”, relata. Novaes também recorda um encontro com Glória Maria na redação da TV Globo: “Quando a vi no corredor e ela me reconheceu, foi muito especial”. A repórter ainda guarda um recado que recebeu: “Sempre que vier aqui no Rio, faz o favor de me visitar. É muito importante que a meninas tenham uma referência preta”

Zileide Silva, repórter e âncora da Globo e primeira vencedora do Prêmio Glória Maria – criado pela Câmara dos Deputados para homenagear profissionais de destaque –, define a colega como “desbravadora”. “Ela abria a porta, te recebia do lado de dentro, te dava a mão e falava ‘vem’”, afirma.

Silva ainda reflete sobre os desafios enfrentados por Glória: “Imagino a dificuldade que foi segurar um microfone pela primeira vez. Ser jornalista é uma responsabilidade tremenda. E no caso de uma repórter negra na TV, isso começou com ela”.

O episódio traz ainda depoimentos de familiares, amigos e colegas que acompanharam a trajetória da jornalista, além de homenagens feitas após sua morte, em fevereiro de 2023. “Glória” vai ao ar após o Fantástico deste domingo (18). Todos os episódios estão disponíveis no Globoplay.

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O longa-metragem, classificado como documentário criativo, aborda a vida de personagens que construíram suas trajetórias sob os princípios da autogestão e da autonomia, discutindo temas como capitalismo, identidade, etarismo e raça. Produzido pela MAA Filmes, da cineasta Marília Cunha (também corroteirista), o filme reúne bandas históricas como “Ato 5” e “Pandemônio”, além de iniciativas contemporâneas como o coletivo “Levanta, Véio!”.

Entre os entrevistados estão figuras como Robson Véio (Gatilho Kósmico/Urbano Tattoo), Luciana Rangel (Rango Vegan), CR Moska (Cervejaria Acrática), Rai Silva (Móveis Planejados) e Ednilson Sacramento (Rede PCD Bahia). Além da transmissão de hoje, o filme terá exibição especial no dia 19 de maio, às 20h, na TVE.

Donato, vencedor do prêmio de Melhor Filme em Tiradentes em 2021 com “Açucena”, consolidou “Not Dead” em circuitos internacionais, como o DocMontevideo (Uruguai) e o Dok Leipzig (Alemanha), o mais antigo festival de documentários do mundo.

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O lançamento da série ocorreu nesta quinta-feira (24), na Casa Horto, no Rio de Janeiro, reunindo amigos, colegas e familiares, como as filhas Maria e Laura, a apresentadora Maju Coutinho, o rapper Mano Brown e a estudante conhecida como “mini Glória Maria”, Mirella Archanjelo. O primeiro episódio foi exibido no evento, arrancando aplausos e emoção da plateia.

A produção explora arquivos pessoais da jornalista, como bloquinhos de anotações, e relembra coberturas históricas, como o desabamento do Elevado Paulo de Frontin e entrevistas com ícones como Michael Jackson e Madonna. Colegas de profissão como Pedro Bial, William Bonner e Fátima Bernardes também participam com depoimentos que exaltam o pioneirismo e a coragem da jornalista.

Glória Maria nasceu em Oswaldo Cruz, zona norte do Rio, frequentou escola pública e não tinha livros em casa. Aprendeu a contar histórias com a avó, influência que carregou para suas reportagens. Entrou na Globo em 1970 como radioescuta e, em plena ditadura militar, tornou-se repórter.

O documentário destaca o impacto de Gloria em jovens jornalistas, especialmente mulheres negras. Maju Coutinho, uma das entrevistadas, afirma: “Se estou aqui hoje, é porque Gloria pavimentou esse caminho”. A série ainda refaz a viagem da jornalista à Nigéria, em 2005, local que ela considerava transformador. A equipe revisitou o país para capturar memórias e conexões deixadas por Gloria.

“A série revisita os 52 anos de carreira dela, fala de pioneirismo, talento, amor e espiritualidade. É um retrato do que uma mulher negra é capaz”, afirma Danielle França, uma das diretoras.

“Gloria” vai ao ar aos domingos, a partir do dia 27, após o Fantástico. A produção integra as comemorações dos 60 anos da TV Globo.

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O documentário traça a evolução do funk desde os anos 1950 e 1960, quando a música pop era dominada por artistas brancos e a Motown vendia um soul “palatável” ao público branco. E mostra como a ascensão do movimento Black Power e as lutas por direitos civis, colaboraram para que o gênero ganhasse força como voz de orgulho negro.

Um marco foi “Say It Loud, I’m Black and I’m Proud”, de James Brown (1968). No filme, o trombonista Fred Wesley relembra como Brown levou crianças ao estúdio para gritar o refrão, criando um hino atemporal. “Até o dia da minha morte, será a música mais significativa para mim”, diz o DJ Donnie Simpson. “Ela me ensinou o orgulho negro”.

A dificuldade em definir o funk é um tema recorrente no documentário. Em depoimento, Todd Boyd, professor da Universidade do Sul da Califórnia, resume: “É funky. Mas não sei descrever. Quando você ouve, sabe o que é — e, mais importante, sabe quando sente”. George Clinton, líder do Parliament-Funkadelic e um dos grandes nomes do funk, concorda: “É uma atitude. Funk é tudo o que precisa ser, no momento em que precisa ser.” Seu hit de 1976, “Give Up the Funk (Tear the Roof Off the Sucker)”, inclusive, inspirou o título do filme.

Funk, rock e afrofuturismo

O filme também mostra como o funk influenciou — e foi influenciado — por outros gêneros. O guitarrista Carlos Alomar revela que os riffs de “Fame”, hit que compôs com David Bowie, foram inspirados no funk. Clinton, por sua vez, admite que “Fame” o levou a criar “Give Up the Funk”.

Além disso, o documentário explora a conexão do Parliament-Funkadelic com o afrofuturismo — uma estética que mistura ficção científica e cultura negra. Clinton brinca que, se um dia encontrar alienígenas, só quer ter certeza de uma coisa: “Que eles saibam dançar.”

Para Nelson, o funk não é uma moda passageira, como a disco. “Depois que você lança o funk, ele não volta mais. Não dá para guardá-lo de volta na caixa.”

Com depoimentos de Questlove (The Roots), David Byrne (Talking Heads), Marcus Miller e outros, “We Want the Funk!” é tanto uma celebração quanto uma reflexão sobre um gênero que, mesmo sem definição clara, continua vivo — e essencial.

Assista: Disponível no app da PBS e no YouTube (Independent Lens).

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