O lançamento do filme Pecadores não provocou apenas reações estéticas ou narrativas. Especialmente após sua indicação ao Oscar 2026, que ampliou sua visibilidade internacional, o longa escancarou as estruturas da indústria cinematográfica — e, mais do que isso, revelou como o audiovisual pode impactar diretamente a cultura e a economia do povo negro. 

Não se trata apenas da história contada na tela, mas daquilo que aconteceu fora dela: Ryan Coogler, o diretor, garantiu o corte final do filme e uma porcentagem dos lucros das exibições nos cinemas desde o início — diferentemente do modelo tradicional de Hollywood, no qual os diretores recebem parte dos ganhos após a comprovação do sucesso financeiro do filme.

Ao mesmo tempo em que o filme se propõe a discutir exploração, poder e desigualdade racial, os bastidores de sua produção ecoam essas questões, transformando a obra em um marco que vai além da tela e tensiona as estruturas do próprio mercado.

Em um setor historicamente marcado por assimetrias, sobretudo quando se trata de profissionais negros, essa iniciativa foi vista como uma ameaça ao modelo vigente. E isso é mais um fator que torna Pecadores tão relevante: o filme não apenas denuncia desigualdades, mas exige, na prática, medidas mais equitativas capazes de reestruturar a indústria. Afinal, se um projeto demonstra que é possível valorizar adequadamente roteiristas, diretores e equipes —  o que nos faz vislumbrar um mundo mais justo para todos —, vale a ousadia. 

Foto: divulgação

Para Letícia Castor, jornalista e crítica de cinema, que atua no mundo corporativo como comunicadora especializada em Diversidade, Equidade e Inclusão (DE&I), o filme vai na contramão do que os estúdios estão dispostos a investir.

“Ryan Coogler, diretor de obras como Pantera Negra e Creed: Nascido para Lutar, conseguiu trazer em um filme de horror, Pecadores, uma analogia sobre como aqueles com mais poder sugam a vida e os direitos dos subjugados no Mississippi da década de 1930, na era Jim Crow”, destaca Letícia, reforçando que a escolha do gênero não é acidental — é estratégica. O horror, aqui, não está apenas nas criaturas da tela. Essa escolha estética amplia a discussão e reforça que o audiovisual movimenta todo um ecossistema, já que é por meio da cultura que construímos contextualizações de inclusão e conexão com a sociedade.

Pecadores opera em duas camadas. Na superfície, apresenta uma narrativa que denuncia a exploração de pessoas negras por estruturas de poder. Em um plano mais profundo, porém, o filme se torna um espelho da própria indústria que o produziu. A ficção e a realidade se cruzam de forma quase inevitável: o que é denunciado na trama se manifesta, de maneira concreta, nas reações do mercado.

“Ryan protegeu o trabalho de pessoas historicamente excluídas e se recusou a jogar o jogo de Hollywood, assegurando que todo lucro (cinemas, streamings, merchandising) vá diretamente para o seu bolso, e não para o dos estúdios e distribuidoras. Mais do que isso, ele protegeu a propriedade intelectual de sua criação e o legado de sua obra ao conseguir em seu acordo com a distribuidora que os direitos autorais retornassem a ele após 25 anos. E que obra! Pecadores bateu o recorde de indicações ao Oscar, com 16 nomeações. O filme levou para casa as estatuetas de Melhor Fotografia, Melhor Trilha Sonora, Melhor Roteiro Original e Melhor Ator Principal para Michael B. Jordan. Aqui, temos uma vitória agridoce, já que Michael é o sexto homem negro na história do Oscar a vencer na categoria. É motivo de celebração? Com certeza. Mas é também de reflexão sobre os vieses da Academia (e de toda indústria), afinal, estamos falando da 98ª edição da cerimônia”, enfatiza a jornalista. 

A resistência a mudanças estruturais não é novidade. Ao longo da história do cinema e do meio corporativo, avanços em DE&I e impacto social frequentemente enfrentam barreiras — muitas vezes veladas, outras explícitas. O que diferencia o momento atual é a crescente visibilidade dessas tensões. O público está mais atento, os profissionais mais organizados e as narrativas mais conscientes de seu papel político.

O filme cumpre uma função que vai além do entretenimento. Ele gera discussão, provoca e, sobretudo, evidencia que oportunidade, ética e reconhecimento — quando aplicados de fato — redistribuem o poder, principalmente o econômico.

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Entre as novelas, a disputa reflete a diversidade de gêneros. Garota do Momento (Globo), trama das seis que trouxe o protagonismo negro para a estética dos anos 50, concorre com o remake de Vale Tudo e a inédita Três Graças. No streaming, a HBO/Max aparece com Beleza Fatal, enquanto o Globoplay marca presença com a supersérie Guerreiros do Sol.

Nas séries, o tom é de relevância social. Máscaras de Oxigênio Não Cairão Automaticamente foca na crise do HIV nos anos 80, trazendo à tona a vulnerabilidade de corpos marginalizados. No campo do humor e da crônica urbana, Pablo & Luisão (Globoplay) se destaca ao adaptar as histórias de amizade e periferia que viralizaram nas redes.

A categoria de Melhor Atriz evidencia a força de Camila Pitanga. Sua atuação em Beleza Fatal é um dos pilares da indicação da obra, colocando-a ao lado de nomes como Carol Castro (de Garota do Momento) e Marjorie Estiano.

Nas categorias masculinas, o reconhecimento de atores negros como Thomás Aquino (por Guerreiros do Sol) reforça a tendência da APCA de premiar interpretações que fogem do óbvio e trazem densidade para a tela.

Lista Completa de Finalistas – APCA 2026 (Categoria TV)

NOVELA

• Beleza Fatal (Max)
• Garota do Momento (Globo)
• Guerreiros do Sol (Globoplay)
• Três Graças (Globo)
• Vale Tudo (Globo)

SÉRIE

• Ângela Diniz (HBO)
• Máscaras de Oxigênio Não Cairão Automaticamente (HBO)
• Os Donos do Jogo (Globoplay)
• Pablo & Luisão (Globoplay)
• Tremembé (Prime Video)

ATRIZ

• Camila Pitanga (Beleza Fatal)
• Carol Castro (Garota do Momento)
• Débora Bloch (Vale Tudo)
• Marjorie Estiano (Ângela Diniz)
• Suely Franco (Dona de Mim)

ATOR

• André Lamoglia (Os Donos do Jogo)
• Irandhir Santos (Guerreiros do Sol)
• Jaffar Bambirra (Dias Perfeitos)
• Jhonny Massaro (Máscaras de Oxigênio Não Cairão Automaticamente)
• Thomás Aquino (Guerreiros do Sol)

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Antes de se tornar T’Challa, Boseman já demonstrava o peso de sua escolha artística. Ele interpretou figuras fundamentais da história afro-americana: Jackie Robinson, que rompeu a segregação no beisebol; James Brown, cuja musicalidade moldou gerações; e Thurgood Marshall, primeiro juiz negro da Suprema Corte dos EUA. Cada papel era tratado como missão, não como oportunidade. Essa postura se tornaria marca de sua carreira, rigor histórico, profundidade emocional e uma leitura política de cada personagem.

Em Pantera Negra, essa visão atingiu escala mundial. Boseman ajudou a construir um marco cultural, ampliando o imaginário negro para o campo do épico e do heroico. Wakanda não foi apenas um cenário de ficção: tornou-se referência estética, tecnológica e espiritual para milhões de pessoas negras ao redor do planeta. A performance de Boseman deu forma a um líder que combinava ancestralidade, modernidade e dignidade, algo raro em narrativas mainstream. Seu impacto ultrapassou o cinema: atravessou a moda, a educação, debates sobre identidade e abriu portas para novos caminhos criativos.

Mesmo em meio ao tratamento contra um câncer agressivo, Boseman seguiu atuando, gravando e construindo um legado com uma disciplina comovente. Seu último trabalho, A Voz Suprema do Blues, mostrou um artista ainda mais maduro, consciente e afiado. Agora, sua estrela na Calçada da Fama funciona como um marco físico de algo que já era evidente: Boseman não foi apenas um nome da indústria. Ele se tornou referência, memória viva e ponto de virada na maneira como Hollywood enxerga, e representa, corpos e narrativas negras.

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O diretor Spike Lee celebrou o feito nas redes sociais. “Agradeço a todos, na frente e atrás das câmeras, por darem sangue, suor e lágrimas para fazer deste filme um clássico do cinema que resistirá ao teste do tempo”, escreveu.

Spike também dedicou um agradecimento especial a Denzel Washington, por sua atuação memorável, que lhe rendeu uma indicação ao Oscar de Melhor Ator. “Costumávamos brincar que, se não fizéssemos este filme direito, estaríamos com nossos passaportes prontos para fugir do país”, relembrou.

Além das homenagens à toda equipe, Spike Lee também destacou que o filme só foi possível graças ao apoio financeiro de grandes personalidades negras. Entre eles: Janet Jackson, Oprah Winfrey, Prince, Tracy Chapman, Magic Johnson, Michael Jordan, Bill Cosby e Peggy Cooper Cafritz.

No Brasil, o filme está disponível para assistir no Prime Video e no Mubi.

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A obra revisita capítulos ocultados da história mundial ao investigar a presença negra no Renascimento europeu, destacando personagens como Ne Vunda, embaixador do Reino do Kongo no Vaticano, e São Benedito, figura profundamente reverenciada no Brasil e símbolo de fé e resistência na diáspora africana.

Filmado na Itália, Espanha, Portugal, França, Países Baixos, Reino Unido e Brasil, o documentário traça um percurso visual que revela como pessoas negras circularam por cortes reais, ordens religiosas, ateliês artísticos e espaços intelectuais entre os séculos XV e XVII. A pesquisa evidencia que a presença africana ajudou a moldar aspectos culturais, políticos e artísticos da Europa renascentista — um capítulo frequentemente excluído dos registros tradicionais.

Durante sua passagem pelo Brasil, Kuwornu também realiza visitas de pesquisa para seu próximo filme, que será dedicado à história e à devoção a São Benedito, fortalecendo ainda mais as conexões entre África, Brasil e Europa.

Apresentado no Pavilhão Central da 60ª Bienal de Veneza, sob curadoria de Adriano Pedrosa, ‘Nós Estávamos Lá’ combina investigação histórica com linguagem cinematográfica envolvente, recolocando a África no centro das discussões globais sobre memória, arte e identidade.

Agenda de apresentações gratuitas no Rio de Janeiro:

18 de novembro de 2025 – 18h30
Museu Afrodigital Rio – R. São Francisco Xavier, 524 – Bloco F, térreo – Maracanã

19 de novembro de 2025 – 18h30
Teatro Itália – Av. Pres. Antônio Carlos, 40 – 4º andar – Centro
Em colaboração com o Instituto Italiano de Cultura do Rio de Janeiro

21 de novembro de 2025 – 20h00
CUFA Madureira – R. Francisco Batista, 1 – Madureira
Sessão integrada à programação da FLUP

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A confirmação reforça a continuidade da franquia sob o comando de Coogler, responsável por conduzir Pantera Negra a um impacto global histórico e por estabelecer uma narrativa ainda mais profunda e emocional em Wakanda Para Sempre, lançado após a morte de Chadwick Boseman, eternizado como o Rei T’Challa.

O segundo filme, marcado pela homenagem à morte do herói, apresentou Shuri, interpretada por Letitia Wright, assumindo o manto de heróina. Agora, para a próxima sequência, a expectativa é de que um novo ator ocupe o posto. As especulações apontam para Damson Idris (F1) como o principal nome cotado para assumir o papel do Pantera Negra.

Embora a Marvel não tenha anunciado oficialmente qualquer negociação, Idris foi questionado sobre o assunto em entrevistas recentes e não escondeu sua empolgação. De forma bem-humorada, o ator chegou a responder “sim-não!” quando perguntado se estaria em conversas com o estúdio, mas deixou claro que aceitaria o convite.

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Desde o lançamento, Hedda tem atraído atenção da crítica internacional por sua abordagem visual ousada e por reimaginar a personagem em novos contornos. A direção de DaCosta, segundo analistas, opta por “tweaks” relevantes, incluindo a reinterpretação de personagens — para expandir os temas centenários da obra.

Uma das partes mais valorizadas nas críticas é a atuação de Tessa Thompson. Segundo o New Yorker, ela entrega uma performance “intensa, nuançada e digna de prêmios”, que sustenta a narrativa e dá novas camadas à personagem. The New Yorker Já a Washington Post afirma que sua Hedda exala “glamour, inquietação e agência subversiva” no contexto opulento e caótico criado por DaCosta.

Além do mérito artístico, a escolha de Thompson para o papel foi interpretada por observadores como parte de um debate maior sobre representatividade. O protagonismo negro em uma releitura de um clássico europeu como Hedda Gabler reforça a discussão sobre quem tem acesso a papéis de peso na cultura tradicional, e como essas releituras podem oferecer novas perspectivas, sem apagar a essência da obra original.

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A programação tem início no dia 6 de novembro, com o longa-metragem “O Dia que Te Conheci” (2023), de André Novais Oliveira, às 20h. Na trama, Zeca tenta levantar cedo para pegar o ônibus e chegar uma hora e meia depois na escola da cidade vizinha, mas descobre que será demitido. A partir daí, ele desenvolve um vínculo inesperado com a colega de trabalho Luísa. Classificação: 14 anos.

No dia 13/11, às 20h, será exibido “Filhas do Vento” (2004), de Joel Zito Araújo, sobre duas irmãs que se reencontram 45 anos depois, carregando rancores do passado. Classificação: 14 anos. Já no dia 27/11, às 20h, entra em cartaz “Amor Maldito” (1984), de Adélia Sampaio, considerado o primeiro longa de uma cineasta negra no Brasil, que retrata um romance entre duas mulheres. Classificação: 16 anos.

Mostra Mês da Consciência Negra – Quintas, às 20h

• O Dia que Te Conheci (2023) – 6/11 – 20h
• Filhas do Vento (2004) – 13/11 – 20h
• Amor Maldito (1984) – 27/11 – 20h

Maratona Curta na Tela – Cineastas Negros
Data: Quinta-feira, 20/11
Horário: A partir das 20h

• “Cavaram Uma Cova No Meu Coração” (2024) – inédito, 23’, direção: Ulisses Arthur. A história acompanha uma mineradora que perfura a terra para extrair sal-gema, enquanto uma gangue de adolescentes planeja quebrar a máquina responsável pelos tremores. Classificação: Livre.
• “Eu Me Chamo Darwin” (2021) – inédito, 11’, direção: Well Darwin. Reflexão sobre identidade a partir da memória. Classificação: Livre.
• “Cores e Botas” (2010), 16’, direção: Juliana Vicente. Joana sonha em ser paquita, mas nunca se viu representada por ser negra. Classificação: 12 anos.
• “Rainha” (2016), 31’, direção: Sabrina Fidalgo. Rita realiza o sonho de ser rainha de bateria, enfrentando desafios internos e externos. Classificação: 12 anos.
• “Como Respirar Fora D’Água” (2021), 16’, direção: Júlia Fávero e Victoria Negreiros. Janaína é injustamente enquadrada por policiais e enfrenta sua relação com o pai. Classificação: 12 anos.
• “Quintal” (2015), 20’, direção: André Novais Oliveira e Maurílio Martins. Um dia na vida de um casal de idosos da periferia. Classificação: 18 anos.
• “Escasso” (2022), 16’, direção: Gabriela Gaia Meirelles e Clara Anastácia. Rose celebra o sonho da casa própria enquanto apresenta seu lar. Classificação: 12 anos.
• “Remendo” (2023), 21’, direção: Gg Fákọ̀làdé. Zé trabalha reparando objetos esquecidos. Classificação: 12 anos.

Faixa Negritudes
Data: Segunda-feira, 24/11
Horário: A partir das 20h

• “Tijolo por Tijolo” (2025) – inédito, 103’, direção: Quentin Delaroche e Victória Álvares. Uma família recifense reconstrói seu lar após evacuação por risco de deslizamento, durante a pandemia de Covid-19. Classificação: Livre.
• “Virgínia e Adelaide” (2025) – inédito, 96’, direção: Yasmin Thayná e Jorge Furtado. O encontro entre Virgínia Bicudo, primeira psicanalista negra do Brasil, e Adelaide Koch, psicanalista judia refugiada da Alemanha nazista. Classificação: 14 anos.
• Maratona “Escravidão no Século XXI” (2021) – 5 episódios, direção: Bruno Barreto e Marcelo Santiago. Análise das condições que configuram trabalho análogo à escravidão no Brasil. Classificação: 16 anos.
• “Isto é Pelé” (1974), 75’, direção: Eduardo Escorel e Luiz Carlos Barreto. A trajetória de Edson Arantes do Nascimento e suas conquistas no futebol brasileiro. Classificação: 10 anos.
• “Garrincha, Alegria do Povo” (1962), 58’, direção: Joaquim Pedro de Andrade. A carreira do jogador, com cenas das Copas de 1958 e 1962. Classificação: Livre.
• “Arapuca” (2023), 20’, direção: Joel Caetano. Marcos retorna à antiga casa para cuidar do pai doente. Classificação: 12 anos.
• Show Sandra de Sá – 30 Anos & Convidados (2007), 63’. Álbum também conhecido como ÁfricaNatividade, celebra 30 anos da carreira da artista. Classificação: Livre.

A programação completa do Canal Brasil para o Mês da Consciência Negra oferece um panorama diverso e plural da produção audiovisual negra, combinando obras inéditas e clássicas. São oportunidades de reflexão sobre representatividade, cultura, história e resistência, reunindo artistas e diretores negros que pautam a vida, a arte e a luta de pessoas pretas no Brasil.

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Com entrada gratuita, as atividades acontecem em quatro espaços da capital: Cinemateca Brasileira, Itaú Cultural, CCSP (Centro Cultural São Paulo) e Instituto Moreira Salles — além de parte da programação disponível online, na plataforma Sala 54 (www.nicho54.com.br).
A proposta desta edição é revisitar memórias, provocar novas leituras e conectar passado, presente e futuro da imagem negra.

A abertura oficial será com o premiado “Voz Zov Vzo” (2025), de Yhuri Cruz, vencedor da categoria Novos Olhares no Festival Olhar de Cinema. O drama musical performático revisita a ditadura militar sob a perspectiva da população negra e será exibido ao ar livre, na Cinemateca, seguido de debate com o diretor.

Durante cinco dias, o público poderá acompanhar uma seleção que atravessa linguagens, gerações e territórios — das animações infantis afrocentradas às obras que documentam a potência de artistas, intelectuais e ativistas negros no Brasil. “O Festival Nicho deste ano apresenta uma edição especial que convida o público de todo o país a revisitar a criação negra brasileira nos últimos 50 anos e conecta os debates de cinema com os persistentes dilemas raciais da nossa sociedade”, afirma Fernanda Lomba, fundadora do Instituto Nicho 54 e diretora artística do festival.

PROGRAMAÇÃO COMPLETA

Cinemateca Brasileira (Largo Sen. Raul Cardoso, 207 – Vila Clementino, São Paulo)
Itaú Cultural (Av. Paulista, 149 – Bela Vista, São Paulo)
CCSP – Sala do Circuito Spcine (Rua Vergueiro, 1000 – Liberdade, São Paulo)

05/11 – QUARTA-FEIRA

Sessão de abertura – COM DEBATE
18h30 – Cinemateca Brasileira – retirada de ingresso com 1h de antecedência na bilheteria

“VOZ ZOV VZO”, de Yhuri Cruz
51 min. / Drama/Musical Experimental / 2025 / Rio de Janeiro / 16 anos
Rio de Janeiro, 1975. Dentro de um estúdio, vários amigos se reúnem em torno de uma carta. À medida que as palavras são ditas em voz alta, seu significado se intensifica, oferecendo uma perspectiva racializada sobre memórias da ditadura militar brasileira.

06/11 – QUINTA-FEIRA

Sessão Beleza para os olhos, reflexões para a vida de nossos pequenos – INFANTIL
10h30 – Itaú Cultural – ingressos liberados no dia 4/11, às 12h, pelo site do Itaú Cultural

Ópará de Ósún: Quando tudo nasce – Dir. Pâmela Peregrino
4 min / Animação / 2018 / Brasil

Lulina e a Lua – Dir. Alois Di Leo e Marcus Vinícius Vasconcelos
13 min / Fantasia / 2023 / Brasil

Lagrimar – Dir. Paula Vanina
13’58’’ / Animação / 2024 / Natal

Meu nome é Maalum – Dir. Luísa Copetti
8’ / Animação / 2021 / Brasil

O que vi – Dir. Victor Abreu
15’ / Drama / 2023 / Brasil

Para onde vão os animais – Dir. Rogério Borges
15 min / Ficção / 2024 / Brasil

Conversa Observar para Transformar – Itaú Cultural
14h00 – ingressos liberados no dia 4/11, às 12h, pelo site do Itaú Cultural

Reprise Sessão Abertura “Voz Zov Vzo”, de Yhuri Cruz
16h30 – CCSP

Sessão Passados que se repetem com e sem diferença
19h00 – CCSP – Sala do Circuito Spcine – retirada de ingresso com 1h de antecedência

Rapsódia para um homem negro – Dir. Gabriel Martins
24’ / Ficção / 2015 / Brasil

Crioulo Doido – Dir. Carlos Alberto Prates Correia
62’ / Ficção / 1970 / Brasil

Conversa O pensamento e a pesquisa cinematográfica de mulheres negras
19h – Cinemateca Brasileira

07/11 – SEXTA-FEIRA

SESSÃO Premiere Narrativas Negras Não Contadas – COM DEBATE
14h00 – Cinemateca Brasileira

Melodia Ancestral – Dir. Beatriz Costa
15’ / Documentário / 2025 / Brasil

Meu Nome é Tiana – Dir. Dafny Bastet
16’ / Documentário / 2025 / Brasil

Camisa 9 – Dir. Guilherme Batista
15’ / Documentário / 2025 / Brasil

SESSÃO Reescritas em movimento
16h30 – Cinemateca Brasileira

SRTV 043 – Trecho de Entrevista com Beatriz Nascimento
12’ / Entrevista / 1979 / Brasil

Um filme de dança – Dir. Carmen Luz
90’ / Documentário / 2028 / Brasil

Reprise Sessão Passados que se repetem com e sem diferença – DEBATE COM CURADORA
16h30 – CCSP – Sala do Circuito Spcine

SESSÃO Artimanhas
19h00 – Cinemateca Brasileira

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Premiado no Festival de Gramado e lançado no Festival de Berlim de 2020, Todos os Mortos reúne no elenco nomes como Thomas Aquino, Teca Pereira, Gilda Nomacce e Alaíde Costa. O filme narra as tensões entre duas famílias — uma branca e rica, outra formada por ex-escravizados, e propõe uma reflexão sobre as marcas da escravidão e a transformação social no Brasil, com foco na história da cidade de São Paulo.

Inaugurado em abril deste ano, o Cinema no Museu utiliza o cinema como ferramenta de reflexão sobre a sociedade brasileira, ampliando o diálogo com o público e estimulando novas leituras sobre o passado. Segundo David Ribeiro, “a escolha de Todos os Mortos reforça o compromisso do Museu em discutir, de forma sensível e crítica, as permanências e rupturas na sociedade brasileira”.

O diretor Caetano Gotardo, formado pela USP e com trabalhos premiados em Cannes, Berlim e Rotterdam, dirige longas como O que se move, Seus ossos e seus olhos e Todos os Mortos, além de séries para Canal Brasil e Globoplay. Salloma Salomão, mestre e doutor em História pela PUC-SP, tem trajetória dedicada à pesquisa e produção artística afro-brasileira e da diáspora africana, transitando entre música, artes cênicas e audiovisual, com atuação relevante em movimentos negros.

O evento reforça a missão do Museu do Ipiranga de promover encontros entre arte e história, oferecendo ao público oportunidade de reflexão crítica sobre questões centrais da sociedade brasileira por meio do cinema.

Serviço:
Cinema no Museu — 2ª edição
Exibição do filme Todos os Mortos e bate-papo com Caetano Gotardo e Salloma Salomão
Mediação de David Ribeiro
8 de novembro, às 15h
Auditório do Museu do Ipiranga — Rua dos Patriotas, 100
Classificação indicativa: 14 anos
Entrada gratuita; retirada de ingressos na bilheteria a partir das 14h
Recursos de acessibilidade: Libras e audiodescrição, mediante disponibilidade
Mais informações: museudoipiranga.org.br

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